jueves, 28 de julio de 2011

BRIAN DE PALMA: EL DISCÍPULO DE HITCHCOCK.

Para ser considerado un maestro del arte, creo que es fundamental saber innovar, dejar en cada trabajo un sello personal propio y como en cualquier otro ámbito del arte, en el cine hay y ha habido siempre unos cuantos de esos artistas únicos, directores que podrán gustar más o menos, mucho o nada, pero que su obra lleva ese sello que les hace especiales. Éste es el caso de Chaplin, Ford, Polanski, Almodóvar, Allen, Hitchcock, Bergman etc, cineastas de cuyas películas basta con ver un sólo fotograma para saber que son obras suyas. Personalmente, admiro a todos esos directores que, como los grandes pintores (Velázquez, Picasso, Van Gogth...) han sabido dibujar sobre celuloide películas llenas de personalidad, convirtiéndose en grandes maestros e iconos a seguir por otros muchos realizadores.

Brian De Palma
Por otro lado, también me gusta el cine de los que, sin ser creadores de una determinada corriente o pioneros en un estilo, buscan y estudian a aquellos otros que sí lo fueron, copiando ciertas dotes de sus predecesores, cogiendo de aquí y allá, introduciendo la mezcla en la batidora de cámaras y guiones y aderezando el resultado con una pizca de ingenio personal. Uno de los maestros más "copiados" por muchos en multitud de películas es Alfred Hitchcock  y uno de sus mejores discípulos es Brian De Palma. Y califico a éste entre los mejores discípulos de Hitch porque, a pesar de haber sido  considerado un director mediocre, cuyas películas siempre eran denostadas por la crítica y su cine tiene ese halo de serie B (al menos, sus primeros films) es indudablemente para mi gusto, uno de los más originales. En la mayoría de sus primeras películas, mezcla ciertos aspectos de las mejores obras de su maestro pero añadiendo elementos propios que hacen que su cine no sea una mera copia ni consista en simples y burdos remakes de aquellas, si no que dan lugar a películas con identidad propia.

"Vértigo", "Psicosis" o "La ventana indiscreta", son las obras de Hitchcock más imitadas por el Brian De Palma de los inicios, creando originales películas donde mezclaba la tensión y el suspense más "hitckoniano" con altas dosis de erotismo, como es el caso de las películas "Vestida para matar" o "Doble cuerpo" sus dos obras que más me gustan porque a pesar de que nunca gozaron del respaldo de la crítica y pueden resultar algo horteras hoy día, desprenden un aire muy "kitchs", fiel representante del estilo artístico más imperante de finales de los años setenta y principios de los 80. 

A día de hoy su cine carece ya de esa personalidad de sus primeras obras, es más, las últimas películas que vi de él "Femme fatal" y "La dalia negra" me parecieron bastante malas e insignificantes, no estando para nada a la altura de aquellas primeras películas, que aunque como he dicho no sean grandes películas tenían un algo que las hacía entrañables y originales siendo calificadas como "cine de culto".

Entre dichas películas, recomiendo las siguientes:

"Carrie", rodada en 1976 con la "angelical" Sissy Spacek, un por entonces casi desconocido John Travolta y una de sus musas, Amy Irving. Basada en la novela homónima de Stephen  King, narraba la historia de Carrie una joven introvertida que sufría el acoso de sus compañeras de instituto y el fanatismo religioso de su madre (la maravillosa Piper Laurie) mientras descubría su don telequinésico, que se convertiría en su talismán de venganza contra un mundo que no la aceptaba, pese a sus esfuerzos por llevar una vida normal, como cualquier chica de su edad. Esta película se convertiría en una de las más taquilleras y reconocidas de su director, y en uno de los pilares de la avalancha del cine de terror de los años 80. En ella, podemos observar algunos de los elementos vanguardistas que introdujo Brian De Palma en el cine setentero: la escena del baile con ese travelling infinito, escenas en polivisión (pantalla dividida en dos) o el uso (y abuso) de la cámara lenta... elementos que ayudaron a crear esta película, que no será una obra maestra, pero que sin duda está repleta de importantes elementos novedosos para el cine de la época.

"Hermanas" de 1973, perturbadora y algo extraña historia de dos hermanas siamesas que han vivido con sus cuerpos unidos hasta bien entrada la adolescencia. Mientras una de ellas es una mujer normal, la otra es una desequilibrada mental... La protagonista de esta cinta era Margot Kidder, más famosa por interpretar años más tarde a la Lois Lane de las pelis de "Superman". Una película interesante siendo uno de los primeros psicokillers de hermanas y mujeres perturbadas que tan de moda se pusieron años más tarde (estilo: "Mujer blanca, soltera, busca...") y en donde ya se vislumbraba ciertos aspectos del cine más característico de su realizador. 

Las anteriormente mencionadas "Vestida para matar" y "Doble cuerpo" las cuales son las dos obras más representativas del lado imitador "hitchconiano" de Brian De Palma. La primera de ellas, realizada en 1980 y  protagonizada por Michael Caine, es una curiosa mezcla de "Psicosis" y "Vértigo", en la que una sensual Angie Dickinson tenía un tórrido y fatal encuentro con un desconocido después de haber acudido a una visita con su psiquiatra. Es considerada por muchos como una de las "mejores peores películas de la historia del cine", puesto que, como he dicho en un principio, desprende esa esencia de cine de segunda categoría, pero la cual constituye precisamente su mayor encanto.

 La segunda de ellas, rodada en 1984, consiste en una alocada y erótica versión ochentera de "La ventana indiscreta", con Graig Wasson y una jovencísima Melanie Griffith, cuenta a historia de Jake, un mediocre actor que tras descubrir las infidelidades de su mujer, se traslada a vivir al sofisticado apartamento de un amigo, desde donde comenzará a espiar a una misteriosa mujer que cada noche se desnudará frente a su ventana... Como en casi todas de las películas de De Palma, en esta cinta, nada es lo que parece, concluyendo la historia con un inesperado y sorpresivo final.
Aunque si hay una película que define el cine de Brian De Palma y que le dio fama de director peculiar, esa es sin duda, "Scarface: El precio del poder" creada en 1982 y protagonizada por Al Pacino y Michelle Pfeiffer, y que fue en su día un estrepitoso fracaso de crítica, hasta tal punto que las realizaciones de De Palma comezarían a escasear en los años posteriores y provocando que Al Pacino no rodara ninguna otra película en más de 6 años. A día de hoy sin embargo, la historia del sanguinario narcotraficante Tony Montana, es una de las películas de culto más admiradas tanto por la crítica como por el público. A pesar de este fracaso inicial de crítica, Pacino volvió a colaborar con De Palma años más tarde en "Atrapado por su pasado" en 1993 siguiendo con la temática de narcotraficantes vista en Scarface.

En los años posteriores, la calidad de las películas de De Palma bajó bastante, salvo el caso de "Snake Eyes" en 1996 con Nicolas Cage, siendo sus películas cada vez más escasas y espaciadas en el tiempo. Pero sin duda, creo que Brian De Palma, es uno de los directores más influyentes del cine de los años 70 y 80, odiado por muchos y amado por otros tantos,  siempre controvertido, como los grandes.

De Palma a lo Hitchcock: Curiosidades.

- Brian De Palma es un seguidor del erotismo más kitchs, emulando a su admirado Hitchcock, tiene fascinación por las mujeres como elemento misterioso y perturbador en sus películas. Al igual que el director británico con sus actrices rubias, en sus inicios tenía a unas cuantas actrices "fetiche" con las que contó en varias películas, como fue el caso de Nancy Allen (que se convirtió en su esposa) y tenía también predilección por las rubias: Angie Dickinson, Nancy Allen, Sissy Spacek, Michelle Pfeiffer y Melanie Griffith ( hija de Tippie Hedren en la vida real, musa de Hitchcock)... Y por las duchas, donde daba rienda suelta a su alma de vouyeur: ver inicio de "Carrie" y "Vestida para matar".

- La escena del museo de "Vestida para matar", es probablemente, una de las mejores secuencias de la historia del cine, el influjo de Hitchcock es más que evidente:


Otras películas de De Palma que merecen la pena ser vistas:

- Obsesión (1976).
- La Furia (1978).
- Impacto (1981).
- Los intocables de Elliot Ness (1987).
- La hoguera de las vanidades. (1989).
- Misión Imposible (1996).


domingo, 17 de julio de 2011

LA NOVIA VESTÍA DE NEGRO.



Título original: La marieé etait en noir.
País: Francia.
Director: François Truffaut.
Reparto: Jeanne Moreau, Michel Bouquet, Michel Londsdale, Charles Denner, Jean Claude Brialy.
Género: Thriller, comedia negra.

El verano pasado compré esta película de Truffaut de la que no había oído nada hasta entonces. Me llamó la atención la temática de la película: una mujer que se dispone a buscar a los hombres que accidentalmente mataron a su marido el mismo día de su boda, justo a las puertas de la iglesia donde acababan de contraer matrimonio, para vengarse de ellos. La historia me recordó en seguida a Kill Bill y en cuanto llegué a casa busqué por internet la relación existente entre ambas. Descubrí que la cinta de Truffaut había servido de inspiración a Tarantino para crear el personaje de La Novia, interpretada por Uma Thurman y protagonista central de su ultraviolenta película.

Después de visionar la película, me quedó la sensación de haber presenciado una especie de experimento europeo con la intención de simular las películas de suspense de Hitchcock y con ello, no quiero para nada decir que la película me pareciera mala, en absoluto, si no que me parece una película curiosa, sin llegar a considerarla buena, creo que es indiscutiblemente, una obra de culto. Truffaut era un seguidor acérrimo de la obra de Hitchcock tal y como demostró en el libro-entrevista que realizó junto a éste: "El cine según Hitchcock" y esta película es una especie de homenaje al cine del director británico. Si bien el planteamiento es más que interesante y la protagonista, una sensual y madura Jeanne Moreau, está más que sobresaliente en su papel de viuda vengadora, hay algo que hace que el conjunto parezca no estar completo, como si se tratara de una circunferencia que no termina de cerrarse y, por ello, es por lo que me pareció más un experimento que una película seria o terminada. Es más, como he leído en alguna crítica y con lo que estoy totalmente de acuerdo es que esta película no hay que tomársela muy en serio, a mí me pareció una especie de comedia negra o intriga parodiada más que un film de suspense en toda regla, y en ello es donde reside su especial encanto, dando lugar a una película curiosísima y original, tanto en su planteamiento como en su desarrollo, y enormemente entretenida.

Lo mejor de la cinta es el papel de su protagonista, Jeanne Moreau, y la relación mantenida con el pintor, su última víctima. Una relación extraña donde ella, la misma que con el resto de sus víctimas había llevado la voz cantante, ahora parece dejarse seducir por el enigmático pintor, formando la relación más larga de la película entre la novia y uno de los asesinos de su marido y que ofrece un lado algo más cálido y terrenal de la hasta entonces fría protagonista.

Lo peor de todo quizás sea el "motivo" de la muerte del marido, la causa por la que la novia decide vengarse, un motivo bastante ridículo e irrisorio que ennegrece un poco la obra.

Sin duda, un film muy curioso del cual recomiendo su visionado al que quiera ver algo diferente y original, pero sin esperar que se trate de una de las obras maestras de François Truffaut, si no más bien una especie de juego, una simpática licencia cinematográfica del director francés.





Curiosidades:

- La pieza musical central de la película es muy parecida a la de "Marnie, La ladrona", ya que ambas están compuestas por Bernard Hermman, el compositor de las BSO de las películas de Hitchcock.
- Hichtcock se basó en el final de esta película para el final de "Frenesí".
- Se trata de una película basada en el libro homónimo de William Irish.
- Aunque el planteamiento es el mismo que el de Kill Bill, su desarrollo es completamente distinto al de la obra de Tarantino.

viernes, 15 de julio de 2011

PEINADOS DE CINE QUE CREARON TENDENCIA.

El cine y la moda siempre han ido de la mano, sobre todo en el caso de las actrices, no en vano, muchas de éstas se convirtieron en iconos de la moda, siendo sus películas el mejor escaparate para lucir su elegancia o modernidad. Algunos de los peinados que lucieron actrices famosas en las diferentes décadas, han pasado a la historia como un elemento más de la magia del cine. Por ello, voy hacer un listado de los peinados más vanguardistas que se han visto en la gran pantalla a lo largo de los años.

                              La frescura "flapper" de Louise Brooks (años 20)



La melena oxigenada de Jean Harlow (años 30)


El mechón ondulado de Verónica Lake (años 40)


El cabello rojizo de Rita Hayworth (años 40)




Los rizos dorados de Marilyn Monroe (años 50)



El moño "Hitchkoniano" de Kim Novak (años 50)


El recogido "glamouroso" de Audrey Hepburm (años 60)


El corte a lo "Garçon" de Mia Farrow (años 60)


El pelazo setentero de Farrah Fawcett (años 70)


La melena de sirena de Daryl Hannah (años 80)


Las trencitas caribeñas de Bo Derek (años 80)


El melenón asilvestrado de Julia Roberts (años 90)


El peinado de "femme fatal" de Uma Thurman (años 90)


La cabeza rapada de Natalie Portman (años 2000)


jueves, 14 de julio de 2011

CINE DENTRO DEL CINE (2)

Anteriormente, comenté algunas de las películas que tratan sobre el mundo del cine desde el lado más triste y trágido, pero hoy quiero rememorar  aquellas que reflejan el cine desde otra visión mucho más optimista o positiva:

POR AMOR AL CINE...

Allá por 1952 Stanley Donen realizó una maravillosa y alegre película que representa el cine con mayúsculas y que dió lugar al número musical más conocido de todos los tiempos, aquel en el que Gene Kelly con paragüas en mano, danzaba por las calles de Broadway después de haber dejado a su amada en casa, y feliz y radiante cantaba aquello de "I Singin´in the rain...."

"Cantando bajo la lluvia", representa la transición del cine mudo al cine sonoro. Un actor de éxito del cine mudo, Don Lockwood (Gene Kelly) conoce a una aspirante a actriz llena de entusiasmo y vitalidad llamada Kathy Selden (Debbie Reynolds) con la que está dispuesto a entrar de lleno en el cine musical y de la cual acaba enamorándose... Los cambios cinematográficos de la época y las zancadillas que les pone una de las reinas del cine mudo, Lina Lamont (Jean Hagen) harán que les sea difícil alcanzar su sueño.

Una película llena de números musicales inolvidables  y personajes míticos: El maestro del claqué Gene Kelly, la dulce Debbie Reynolds, preparada a conciencia para estar a la altura de sus compañeros de reparto, por el mismísimo Fred Asteire, ya que no era bailarina, la bella Cyd Charisse etc, componen un collage de personajes que irradian luz. Una película ideal para ver en momentos tristes, como decía el personaje de Woody Allen en "Delitos y faltas", "Cantando bajo la lluvia" es una inyección de optimismo y alegría por la vida.



"La noche americana" De Truffaut, comedia-dramática sobre los obstáculos a los que tiene que hacer frente un director de cine y todo su equipo para sacar adelante una película: las difíciles relaciones entre algunos de los protagonistas, los problemas que asolan la vida de otros, constituyen el argumento de esta película rodada en Francia en 1973 y que supone una de los films más reconocidos y populares del director francés, que es además, el protagonista de esta historia. Ganadora del Óscar a la mejor película de habla no inglesa en 1974, su título hace referencia a la forma de rodaje que el director quería llevar a cabo dentro de la película y que consistía en utilizar un filtro oscuro sobre la lente de la cámara para simular que se rodaba de noche. Personalmente, me encanta el cine de Truffaut, junto con Polanski, Allen, Wilder e Eastwood forma parte de la lista de mis directores favoritos, todo su cine es muy personal aunque sus películas son muy diferentes entre sí. "La noche americana" es una de las primeras películas que vi del director francés cuando aún era una niña.

Siguiendo la estela de esta película, en 1995, el director americano de cine indi, Tom Dicillo realizó una divertidísima película protagonizada por el gran Steve Buscemi (uno de mis actores modernos favoritos), "Vivir rodando", que recreaba también las idas y venidas de un hilarante director de cine y su desiquilibrado equipo de trabajo, que pese a todos los inconvenientes se negaba a renunciar a ver cumplido su sueño de crear una película. El film está lleno de personajes estrafalarios y originales y de escenas que van desde la realidad que vive el equipo hasta los sueños del ilusionado director, mezclando la realidad con su mundo onírico. El personaje de Steve Buscemi es genial y muy entrañable, dando vida a ese director asustado y pesimista que pierde los nervios cada dos por tres con su equipo al no terminar de ver acabada su querida obra. Una película no muy conocida por el gran público pero que recomiendo encarecidamente, es una de las muestras más entrañables de cariño hacia el cine que se han realizado.


Por supuesto tengo que mencionar entre este grupo de películas, la mejor de las realizadas por Tim Burton (junto con "Eduardo Manostijeras" y "Big Fish"), "Ed Wood", rodada en 1993, que reflejaba la entrañable historia del considerado como el peor director de todos los tiempos, el rey del optimismo, Ed Wood. La película está llena de escenas entrañables y divertidas (como aquella en  donde el equipo entra a un estudio de noche para rodar a hurtadillas y roban un pulpo mecanizado de mentira para poder rodar una escena de terror en un pantano o aquellas en las que el director lleno de entusiasmo pasa de repetir las secuencias terminando con la famosa frase de "A positivar!") y de personajes aún más entrañables, como el del gran Martin Landau encarnando a otro de los grandes, el húngaro Bela Lugosi, uno de los iconos del cine de terror de los años 30, el Drácula por excelencia, en el final de su carrera cinematográfica y de su vida, cuando ya había sido olvidado por el gran público y por las grandes productoras, convertido en un anciano enganchado a la morfina y "rescatado" por Wood, quién fue su último gran amigo. El personaje de Landau es el más triste y conmovedor de la película y las escenas en las que aparece todo un regalo para el buen cine. Otra de las escenas más bonitas de la película es aquella en la que Ed Wood conoce a su ídolo Orson Welles en un local de Hollywood y éste le comenta que tiene que perseguir sus sueños por más que el resto del mundo esté empeñado en impedírselo.

Y si el cine es una fábrica de sueños y de ilusiones qué mejor película que la precisosísima "La rosa púrpura de El Cairo" para demostrarlo, mucho antes de la actual "Midnight in Paris", Woody Allen rodó con, por aquel entonces su musa Mia Farrow, esta bonita película en la que Cecilia, una mujer vulnerable vive en los años 30 en plena Gran Depresión americana trabajando como camarera y conviviendo con el patán de su marido, encuentra en el cine su única vía de escape de una vida sin alicientes, dejándose llevar por las películas de tal modo que acabará viviendo su particular historia cinematográfica. Una hora y cuarto de pura belleza es ésta pequeña película, ideal para soñar y dejarse llevar...

Para  finalizar este pequeño listado de películas que reflejan el mundo del cine, qué mejor que acabar con el que probablemente sea el mejor homenaje que se haya realizado al cine, la hermosa película italiana "Cinema Paradiso" rodada en 1988 y dirigida por Giusseppe Tornatore que cuenta la historia del pequeño Salvatore, un niño que crece soñando con las películas que se proyectan en el cine de su pueblo, el Cine Paradiso, junto a Alfredo, el operador, quién le enseñará un montón de anécdotas y curiosidades sobre el cine. Pasados los años, Salvatore tendrá que abandonar su pueblo para vivir su propia vida, regresando al recibir una inesperada noticia...


Como digo, si hay una película capaz de representar la esencia del cine y lo que este significa para aquellos que hemos crecido amándolo, esa es Cinema Paradiso y ese mágico final...


Otras películas sobre cine que merecen la pena ser visionadas:





-"Hagas lo que hagas, ámalo, como amabas la cabina del Cine Paradiso" (Cine Paradiso)

domingo, 10 de julio de 2011

PEQUEÑAS MENTIRAS SIN IMPORTANCIA.

Título original: Les petits mouchoirs.
País: Francia.
Director: Guilleume Canet.
Reparto: Marion Cotillard, Francois Cluzet, Benoit Magimel, Gilles Leouche, Jean Durjadin, Pascalle Arbillot, Válerie Bonnenton.

La película más taquillera del 2010 en Francia ha llegado este verano a los cines españoles con una frescura inusual en el cine europeo de los últimos años. Siguiendo la estela de films como "Los amigos de Peter" o la española (mencionada en este blog) "La torre de Suso", esta pequeña gran película francesa, constituye una nueva versión sobre la amistad y las pequeñas crisis vitales que asolan al ser humano.

Un grupo de amigos entre los treinta y cuarenta y tantos años se reencuentra cada verano para disfrutar juntos de unas semanas de vacaciones en la playa. Pero este año, justo unos días antes de partir, uno de ellos, Ludo, sufre un gravísimo accidente de moto después de haber pasado una noche de juerga llena de excesos, que le lleva a estar ingresado en la UCI. Sus amigos, confiando que pronto se recuperará y sintiendo que en esos momentos poco pueden hacer por él, decidirán marcharse a la playa como cada verano. Pero los diferentes acontecimientos que van a vivir,  provocarán que revaloren su amistad.

Está claro que "Pequeñas mentiras.." no aporta una historia novedosa: un grupo de amigos algo desencantados que se apoyan y reconfortan a pesar de los pesares cada verano. Pero personalmente, me encantan este tipo de películas corales, donde se plasma de manera natural y sin artificios las problemáticas y comeduras de tarro en que solemos perdernos los adultos. Como he leído en diferentes críticas, los personajes están estereotipados y son típicos: El matrimonio hundido en la resignación y en la rutina, la chica liberal que tiene pánico al compromiso, el amigo mujeriego que ve cómo se le escapa el amor, el gruñón, el plasta al que le ha dejado la novia y no sabe qué hacer para recuperarla, la mujer sexualmente frustrada a la que ya no mira su marido, el gay aún escondido en el armario que está enamorado en secreto de uno de sus amigos, el "intenso", el  "zen" etc.. Todos los hemos visto mil veces representados en la pantalla y todos son parecidos en cualquier película coral de este tipo, pero ahora bien, yo creo sinceramente que es una representación fidedigna de la vida real y que todos esos personajes existen y son un claro ejemplo de cómo son nuestros propios amigos e incluso nosotros mismos. Cualquiera puede identificarse con alguno de estos personajes, muy buen interpretados, no en vano, los actores son indudablemente, la joya de la corona de esta historia ya que cada uno de ellos está magnífico en su papel.

Una comedia dramática, muy europea, rodada en el clásico tono pausado del cine francés, llena de guiños cómicos hilarantes y momentos auténticamente dramáticos, dibujando un boceto de la vida real, basándose en las mentiras, ocultaciones y traiciones de un grupo de amigos autoengañados que, pese a todo, intenta mantenerse unido. Y que al final, deja una buena moraleja, y es que lo único verdaderamente importante en la vida, lo único por lo que vale de verdad la pena vivir, sentir y sufrir, es la amistad y todo lo demás no son más  que pequeñas mentiras y automentiras, sin importancia.

Lo mejor: el reparto al completo, dando lugar a un grupo muy armónico y compacto, y sobre todo el papel de Max, el amigo gruñón y dueño de la casa donde se rejunta el grupo de amigos. Una sorprendente banda sonora y el trepidante comienzo de la película: Ludo, el hilo conductor de la historia, sale de una discoteca ebrio y bajo los efectos de las drogas, coge su moto y en un cruce sufre un aparatoso accidente, todo ello rodado en un único plano, estando la cámara en casi todo momento por detrás del protagonista, lo que te lleva a esperar el fatídico acontecimiento mientras comienzan los títulos de crédito.

Lo peor: Quizás en algunos momentos sea demasiado moralista y el final puede resultar excesivamente lacrimógeno.

La frase: " Estoy harto de vosotros, durante dos semanas sólo he visto a un grupo de amigos mentirse y autoengañarse, mientras nuestro amigo Ludo está ingresado en la UCI, solo... Pero claro, vuestras vacaciones y vuestra comodidad era lo más importante..."

viernes, 1 de julio de 2011

HISTORIAS DE DESAMOR (1)...

Porque suele ser un sentimiento bastante frecuente, he aquí mi homenaje. También hay algo de sublime en el desamor...

                                         EL TERCER HOMBRE (Carol Reed- 1949)




Holly Martins (Joseph Cotten) es un escritor de noveluchas policiacas que viaja a Viena después de la Segunda Guerra Mundial porque su amigo Harry Lime (Orson Welles) le ha prometido trabajo. Al llegar a Viena se encuentra con el entierro de Harry que, al parecer, ha muerto en un accidente enfrente de su casa, pero la polícia comienza a insinuarle que en realidad su amigo estaba inmerso en asuntos relacionados con el mercado negro y que es muy probable que siga vivo...Junto con la amante de Lime, Anna (Alida Vali) Holly Martins intentará averiguar que ha pasado en realidad con su amigo. 

¿Qué es lo correcto? ¿Qué es lo que uno debe hacer? Si sabes que un amigo ha podido cometer un delito, ¿le traicionarías? ¿le delatarías? ¿Qué es más inmoral? Desde luego que la moral, a veces nos hace perder muchas cosas. Lo arriesgarías todo: amistad, amor.. ¿Por hacer lo que sabes que deberías hacer?

Joseph Cotten parece tenerlo claro y sin duda, lo pagará caro: Descubre que su mejor amigo es un delincuente sin escrúpulos mientras se enamora de la afligida amante de aquel. Un hombre que se encuentra entre la espada y la pared, entre delatar a su amigo y perder su amistad y el amor de Anna o seguir a su conciencia ética y moral.

Una traición, un desamor y el mejor final (y el más triste) de la historia del cine: Anna enamorada aún de Lime no perdona a Holly que haya traicionado al hombre de su vida, caminando con la mirada ausente, cruzando en frente de él, sin dignarse a mirarle.

¿Qué hay peor que el desdén de la persona amada?.

"- ¿Estás enamorada de él?
  - No lo sé. A veces es complicado ponerle nombre a los sentimientos..."